Cele mai interesante filme animate pentru toate varstele

Descopera lumea minunata a filmelor animate printr-o calatorie fascinanta intr-un univers plin de emotie, aventura si magie! De la personaje indragite, la actiune spectaculoasa si comedii amuzante, filmele animate sunt perfecte pentru a te relaxa si a te deconecta de la stresul cotidian. Afla cum filmele animate iti pot schimba viata si te pot aduce mai aproape de copilul din tine.

Filmele animate reprezinta o forma de arta si de divertisment care ne-a captivat imaginatia de mai bine de un secol. Incepand cu primele desene animate in alb si negru, tehnologia a evoluat semnificativ, permitand astazi realizarea de filme cu grafica si animatie incredibil de realista.

De la povestile clasice cu personaje indragite, la filmele de actiune pline de adrenalina si comediile amuzante, filmele animate au devenit o forma populara de divertisment pentru publicul de toate varstele. Ele ne permit sa evadam in lumi fantastice si sa traim aventuri alaturi de personaje neobisnuite, oferindu-ne un sentiment de uimire si de emotie care ne poate marca pentru totdeauna.

2020 a fost prost. Dar poate pentru ca productia ar putea continua mai usor de acasa, iar familiile, blocate acasa cu copiii lor, clamau pentru filme noi, a existat o abundenta de filme animate grozave. Tipurile de caracteristici animate care au fost lansate in 2020 au fost, de asemenea, incredibil de variate – Pixar a lansat doua caracteristici originale exemplare, DreamWorks Animation a debutat doua sequele surprinzator de super, iar Netflix a facut o oferta competitiva pentru a fi cel mai interesant loc pentru animatie de ultima ora (si a facut si o treaba destul de buna). Au fost, de asemenea, importante notabile – din Irlanda, Japonia, Marea Britanie – care au ajutat la prezentarea unei varietati de viziuni asupra lumii, iar stilurile de animatie sunt extrem de importante pentru a mentine lucrurile proaspete.

De asemenea, merita remarcat faptul ca SpongeBob The Movie: Sponge On the Run de la Paramount, care a fost programat pentru o lansare in 2020, dar a fost retrogradat la un statut nebulos la cerere in 2021 (a fost lansat in majoritatea pietelor majore pe Netflix in toamna trecuta), a fost ciudat si minunat dar va fi salvat pentru lista de anul viitor.

We Bare Bears: Filmul

We Bare Bears: The Movie , bazat pe seria Cartoon Network cu acelasi nume, care si-a incheiat ciclul de patru sezoane vara trecuta, este probabil exact ceea ce te-ai astepta. Urmareste trei ursi adorabili si stivuibili – Grizzly ( Eric Edelstein ), Panda ( Bobby Moynihan ) si Ice Bear ( Demetri Martin ) – in timp ce intra in tot felul de rautati comice. In acest caz, inseamna ca au ramas fara comunitatea lor dupa ce au provocat o intrerupere masiva de curent (au incercat sa devina virale; nu a functionat). Dar din acel complot liber, care continua pe traiectoria unui film de calatorie, in timp ce ursii incearca sa evadeze in Canada, regizorul/creatorul spectacolului Daniel Chongprezinta o poveste autobiografica ciudat despre cum este sa te simti ca un membru ostracizat, urmarit pe nedrept al societatii. (Apogeul implica salvarea colegilor de ursi dintr-o tabara de internare plina de custi, care cu siguranta are un pumn suplimentar care va naviga peste capetele majoritatii copiilor.) Nu ca aceasta este o pilda trista. Animatia de la Rough Draft Studios este un rasfat absolut superb, inspirat de anime, iar filmul este adesea amuzant de ras in hohote (exista o serie de glume despre duba Ursilor din epoca anilor 70 care ucide). De asemenea, merita remarcat faptul ca acesta este primul dintre cele doua filme de pe aceasta lista care prezinta o referinta de sobolan pizza. Deci asta e ceva?

The Croods: O noua era

Faptul ca exista o continuare a comediei despre omul pesterilor din 2013, The Croods, este un miracol, avand in vedere ca proiectul a fost complet inchis in 2016, creatorii initiali ai sequelului ( Kirk DiMacco si Chris Sanders ) parasind DreamWorks Animation la scurt timp dupa. Dar The Croods: A New Age s-a intors din adancurile iadului dezvoltarii, iar filmul rezultat a fost o continuare surprinzator de distractiva si ciudata. In aceasta transa, familia titulara de neanderthal (condusa de Nicolas Cage si incluzand Emma Stone , Catherine Keener si Clark Duke ) si iubitul mai sofisticat al lui Stone ( Ryan Reynolds), se intampla o societate agrara avansata conceputa de cei bine numiti Betterman ( Peter Dinklage , Leslie Mann si Kelly Marie Tran ). Este, dupa cum va puteti imagina, o ciocnire culturala primitiva. Animatia este de top, ocazional plutind pe un teritoriu dulce de suprarealist (cum ar fi atunci cand personajul lui Tran este intepat de o albina si incepe sa se simta groovy ), cu o multime de creaturi noi si ciudate (unele dintre ele concepute ingenios de veteranul Gravity Falls Joe Pitt) si o rasucire placuta a materialului. Si Cage, care a avut performante extraordinare in filme de animatie in ultimii cativa ani (inclusiv Spider-Man: Into the Spider-Verse siTeen Titans Go! To the Movies ), este ancora emotionala neasteptata a filmului, ca un barbat care se lupta cu fortele care ameninta sa-si transforme familia – din interior si din exterior.

Familia Willoughby

Oamenii au dormit pe Willoughbys, ceea ce este o adevarata rusine. Aceasta caracteristica animata fermecatoare si ambitioasa din punct de vedere stilistic de la Netflix este de fapt o caracteristica perfecta de carantina. Urmareste sotii Willoughby, o familie de altadata aventuroasa, care acum este inchisa in conacul lor decrepit si invechit. (Copiii sunt exprimati de Will Forte , Alessia Clara si Sean Cullen) Dupa ce au aranjat ca parintii lor sa plece in vacanta, copiii sunt eliberati, mai ales cand o bona buna ( Maya Rudolph) ii incurajeaza sa-si recapete aventurozitatea. Bazat pe romanul lui Lois Lowery, The Willhoughbys are o serie de Roald Dahl-intunericul straluceste prin el, iar animatia, in timp ce este complet generata de computer, are o atmosfera tactila, pseudo-stop motion (parul personajelor arata ca un fir, exista secvente extinse intr-o fabrica de bomboane bogat imaginata), cu un design as. de legendarul Craig Kellman . Distributia vocala este, de asemenea, minunata, cu Martin Short, Terry Crews si Jane Krakowski , toti oferind spectacole inspirate (desi Ricky Gervais este un remarcabil clar ca naratorul pisicii vorbitoare). In mod ciudat afecteaza (si, sincer, pur si simplu ciudat), este povestea despre cum familia nu este ceea ce te-ai nascut, ci oamenii de care alegi sa te inconjori. Daca ai ratat The Willhoughbysla inceputul acestui an, este timpul sa incerci.

Trolii descpera lumea

Trolls World Tour , cand a fost lansat initial la inceputul acestui an, in zilele de deschidere ale pandemiei in curs, a fost poate judecat pe nedrept. Au existat multe critici cu privire la decizia Universal de a lansa filmul acasa, alaturi de expozitia de teatru (un concept care acum pare ciudat) si filmul in sine a simtit ca a fost prins de daune colaterale. Pentru ca Trolls World Tour , o continuare mai animata, mai extravaganta din punct de vedere vizual, a filmului Trolls din 2016, este foarte distractiv. Regizorul Walt Dohrn , un veteran de lunga durata de la DreamWorks, care a codiregizat primul film, dubleaza stilul de arta si mestesuguri din lumea trolilor , unde totul arata ca si cum ar fi fost principal din fire sau sclipici sau hartie macheta .si extinde universul pentru a include diferite taramuri dedicate diferitelor genuri muzicale, fiecare cu propriul aspect si senzatie (ne place lumea country, care arata de parca ar fi fost construita din pilote ingramadite). Un troll diabolic (cu vocea lui Rachel Bloom), pare sa elimine varietatea, inlocuind muzica cu heavy metal. Trolls World Tour ajunge sa fie un riff muzical din Avengers: Endgame; personajele invata ca sarbatorirea diferentelor noastre este ceea ce le face speciali si toti ceilalti se pot bucura de atmosfera din paiete si carton lipite la cald si de coloana sonora ucigasa.

A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon

In cele din urma. Lansat in 2019 in Anglia, A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon si- a facut in sfarsit drum in America datorita unui acord incheiat intre Netflix si studioul britanic de animatie stop motion Aardman Animation. Aceasta transa il vede pe Shaun imprietenindu-se cu un extraterestru dragalas si incercand sa evite detectarea. In timp ce acest concept la inceput pare un amestec incongru de science-fiction si farmecul obisnuit al seriei originale (in sine un spin-off al seriei Wallace si Gromit a lui Aardman ), este de fapt cu totul grozav. Incredibil, filmul este aproape complet tacut, bazandu-se in schimb pe pantomima si pe decoruri elaborate pentru a spune povestea, care are un ET dragut,sentimentul de a merge impreuna cu comentariile sale sociale mai subtile despre cum este probabil sa fii un extraterestru ilegal in Marea Britanie de astazi. Daca nu ati vizionat primul film sau niciunul dintre emisiunile de televiziune, nu va faceti griji, povestea lui Farmageddon este simpla si autonoma si va puteti da seama cu usurinta despre ce este vorba, cine sunt personajele (si care sunt relatiile lor). unul altuia). Sunt sanse, daca aceasta este prima ta expunere la franciza, vei fi uimit si imediat vei dori sa urmaresti orice altceva. Cam asa merge treaba.

Lupin III

Personajul Lupin III exista de la sfarsitul anilor 1960 si a luat o varietate de forme, inclusiv o serie magna populara si mai multe spectacole si filme animate (inclusiv unul, Castelul Cagliostro, care a fost servit drept debutul regizoral al lui Hayao Miyazaki ) dar cu Lupin III: The First , personajul hotului trece prin cea mai mare transformare de pana acum – in lumea animatiei 3D pe computer. Ce este atat de distractiv la Lupin III: The First , care urmareste o incercare a lui Indiana Jones de a urmari niste nenorociri misterioase inainte de a cadea in mainile nazistilor de dupa cel de-al Doilea Razboi Mondial, este ca mentine stilul exagerat si exagerat al originalului. opere animate (este indatorat in special lui Cagliostro) in forma de animatie mai rigida. Este complet diferit de orice ai mai vazut pana acum, iar fiecare noua secventa de actiune pusa in scena ametitor este mai uimitoare decat ultima. Dar daca Lupin III: Primul ar fi doar un exercitiu tehnologic, ritmul cardiac nu ti-ar fi pompat. In schimb, si naratiunea, plina de incrucisari duble si cicatrici emotionale, este la fel de propulsiva. Fiecare personaj ofera umbrire morala detaliata; daca un hot este unul dintre personajele mai de incredere si onorabile din film, ce s-a intamplat cu lumea?

Dincolo de luna

In urma cu un deceniu, maestrul animator Disney Glen Keane (responsabil pentru personaje precum Ariel si Bestia) trebuia sa-si faca debutul regizoral cu ceea ce va deveni in cele din urma Tangled. Acum, cu Keane la sfarsitul de 60 de ani, el a facut in sfarsit un film care ii apartine in intregime. Si este un nauc. Over the Moon se inspira din basmele populare chinezesti antice, dar este complet modern. Este povestea unei tinere fete pe nume Fei Fei (Cathy Ang) care construieste o nava-racheta catre Luna pentru a dovedi ca o zeita pe nume Chang’e (Phillipa Soo) este reala. Odata ce ajunge pe luna, bineinteles, lucrurile merg pe o parte; viitorul ei frate vitreg ( Robert Chiu) face rau cu zeita, in timp ce Fei Fei se afla intr-o cautare mitica de-a lungul planetei. Intriga ar putea fi subtire, dar lucrarile de design (o mare parte din hit-ul gestionat de Keane insusi) este absolut uluitoare, cu detalii subtile, tactile pe pamant si culori mari Day Glo pe luna. (De animatie s-a ocupat Sony si ceea ce era cunoscut anterior ca DreamWorks Oriental, Pearl Studios.) Si numerele muzicale sunt uneori destul de captivante („Ultraluminary”, un numar mare, in stil K-Pop, ar putea fi cea mai buna melodie originala a anului). nu apare in Eurovision ). Cu Over the Moon , Keane a putut sa-si vada viziunea pana la sfarsit, ceea ce se aliniaza bine cu temele filmului de amintire si acceptare.

Tot inainte

Lansat stanjenitor cu cateva zile inainte ca pandemia mondiala sa inchida totul, Onward a fost primul film original Pixar (adica nu face parte dintr-o franciza preexistenta) de la Coco , in 2017. Regizorul Dan Scanlon a bazat povestea, despre o pereche de frati elfi ( Chris Pratt si Tom Holland), care incearca sa-si aduca inapoi tatal mort pentru o singura zi, din propria experienta pierzandu-si tatal la o varsta frageda. Aceasta conexiune personala face ca povestea, plasata intr-o lume fantastica suburbana, in care spritii se plimba cu motociclete si trolii lucreaza la taxele de pe autostrazi, sa fie impamantat si cu rezonanta emotionala. Si oricat de mari devin lucrurile (si, desigur, devin destul de mari), exista intotdeauna acel colac de salvare sfasietor. Pixar umple Onwardcu tot felul de glume interioare, jocuri de cuvinte inteligente (o benzinarie pustiita intr-o parte cetoasa a orasului menita sa semene cu o mlastina mitica se numeste Swamp Gas) si umor cald, dar nu pierd niciodata din vedere despre ce este vorba cu adevarat povestea – doreste-ti implinirea de a putea petrece inca 24 de ore cu cineva pe care l-ai iubit si pe care l-ai pierdut (o tema care rezoneaza si mai mult in aceste vremuri de COVID). Adaugati la asta unul dintre cele mai strigate finaluri ale Pixar si veti avea o noua bijuterie Pixar.

Lupii

Studioul de animatie irlandez Cartoon Saloon a lucrat in mod constant in ultimii cativa ani, producand trasaturi imaginative, absolut iubitoare, care arata si se simt diferit de orice altceva produs in peisajul animatiei moderne. Dar cu Wolfwalkers au realizat prima lor capodopera. Amplasat in Irlanda secolului al XVII-lea, urmareste o tanara pe nume Robyn ( Honor Kneafsey ) care isi ajuta tatal, un as ucigas de lup Bill ( Sean Bean), dar primeste mai mult decat isi tarzea atunci cand se imprieteneste cu o tanara salbatica din padure numita. Mebh ( Eva Whittaker), parte dintr-un clan magic de „walkers” care poate lua forma unui lup. Povestea pleaca de acolo, o poveste mistica despre prietenie si intelegere pusa in fata unei confruntari ideologice din ce in ce mai periculoase. (Cel mai greu al filmului este Oliver Cromwell, o figura istorica britanica din viata reala, care este mai mult infam decat venerat.) Regizorii Tomm Moore si Ross Stewartaduceti la viata Wolfwalkers folosind animatia traditionala, redand animatia salbatica, padure, cu linii paroase care aduc in minte procesul de Xerografie al Disney clasic, mergand pana la a lasa contururile aspre in interiorul animatiei terminate, in timp ce orasul ramane rece, amintind de sculpturi in blocuri de lemn. Si toata aceasta stilizare este in slujba unei povesti profund umane, care se pot relata, spusa cu incredere si gratie, care evita parti mari de expunere pentru o desfasurare organica. Wolfwalkers este un film pe care nu te poti abtine sa nu-l pretuiesti.

Suflet

Una dintre cele mai mari si mai metafizice realizari ale Pixar, Soul este al doilea film original al anului al studioului si unul dintre cele mai incredibile filme din 2020 (animate sau nu). Co-scris si regizat de Pete Docter , ale carui filme anterioare includ Up si Inside Out l-au facut cel mai de nivel superior conceptualist al Pixar, Soul se refera la un profesor de muzica pe nume Joe ( Jamie Foxx ), care viseaza sa cante jazz intr-o trupa mare. In ziua marii sale pauze, el cade intr-o camina deschisa si constiinta lui se trezeste in Marele Dincolo, unde isi uneste fortele cu un suflet nefixat numit 22 ( Tina Fey) si pleaca intr-o calatorie pentru a-si revendica trupul. Da, ideea centrala este un concept delicios de inalt, iar de acolo filmul se invarte in tot felul de directii neasteptate, la fel de incantatoare. Cu co-scenarist/co-regizor Kemp Powers , Docter isi permite sa se relaxeze. Nu totul din Soul se intoarce la naratiune sau la preocuparile sale tematice. In schimb, Soul respira la fel ca putine filme Pixar inainte, bucurandu-se de aventuri ciudate sau fragmente de conversatie care nu fac altceva decat sa ofere textura lumii. (Pentru un film care se refera la ceea ce inseamna sa fii om si prezinta secvente mari plasate in viata de apoi, in mod surprinzator nu este predicator.) Cu o partitura minunata de Trent Reznor si Atticus Ross, cu compozitii de jazz ale marelui Jon Batiste , Soul este un triumf care afirma viata, iubitor de bizar. Initial programat sa debuteze la Cannes inainte de deschidere in iunie, a venit in sfarsit la Disney+ in ziua de Craciun. A meritat asteptarea.

In afara lucrarii indragite de Hayao Miyazaki si Studio Ghibli, anime-ul poate obtine un rap prost in randul publicului cinematografic hardcore. De asemenea, nu are de obicei aceleasi conotatii de calitate ca un produs Disney de buna credinta. Dar cu cateva filme incredibile in 2021 — de la alpinism fericit la un strop de box office la un proiect ciudat de pasiune pana la sfarsitul unui Evangelionepoca — anul animatiei a fost, de asemenea, cand este privit din punct de vedere al calitatii, un an al anime-ului. Nu poti sa-l excluzi pe magistralul care este Disney, dar odata cu concentrarea acelei companii mutandu-se atat de hotarat catre amestecul live-action/animat de supereroi, se simte ca animatia lor de familie si cea a filialei sale Pixar a fost retrogradata. Cu toate acestea, exista ceva aici pentru toata lumea, fie ca doriti sa va asumati riscuri pentru ceva ciudat si incantator, fie ca sunteti tanar sau batran, fie ca sunteti incepator la anime sau devotat hardcore. Daca pur si simplu iti plac desenele animate, avem si aici ceva pentru tine.

Encanto

Atat Disney, cat si Lin-Manuel Miranda au avut spectacole mai bune anul acesta ( Raya and the Last Dragon ; In the Heights ), dar EncantoBinecuvantarile lui – ca si cele ale lui Mirabel, singurul membru al familiei Madrigal fara abilitati magice – sunt placut subtile. Sub melodiile hiper-Miranda („Surface Pressure” cedeaza cel mai profund ticurilor sale de scris, dar „We Don’t Talk About Bruno” arata cat de bun este cu o complexitate captivanta) si realismul sporit al personajelor sale pandeste un luxuriant. basm bantuit nu de vrajitoare rele sau de dragoni ticalosi, ci de greutatile trecutului si temerile pentru viitor. Regizorii Jared Bush si Byron Howard creeaza o poveste matura despre cearta in familie, care nu va speria copiii, impachetand totul cu grija si special in jungla columbiana. O interpretare socant de versatila a lui Stephanie Beatriz, care canta, farmece si glumeste de parca ar fi fost o printesa Disney inainte,Encanto nu este cel mai stralucitor sau cel mai sfasietor dintre cele mai traditionale muzicale Disney, dar este clar si inteligent – ​​iar miracolele sale ar putea ramane cu tine mai mult decat te-ai astepta.

Cryptozoo

Cryptozoo , animat vibrant de Dash Shaw, exploreaza premisa deseori fantezita a coexistentei dintre criptide si oameni, tragand mai mult din Jurassic Park decat omologii animati tipici, cum ar fi Zootopia .. Interesat sa interogheze exploatarea fanteziei si a imaginatiei pentru consumul uman, filmul de animatie psihedelic si evident pentru adulti a lui Shaw aduce visele cu ochii deschisi in realitatea extrem de violenta si sumbra pe care contemporanii genului sau sunt cunoscuti sa o ignore. Universul prezentat in filmul caricaturistului/scriitorului/regizorului Shaw – animat intr-un stil care se simte ca un roman grafic prinde viata – este memoria noastra colectiva a miscarii contraculturii din anii ’60, dar cu un amendament cheie care distruge realitatea: fiecare creatura fabuloasa din printre noi se plimba folclor uman, rar vazut, dar perpetuu vanat datorita cererii lor mari pe piata neagra. Incetarea maltratarii acestor creaturi este opera de viata a lui Lauren Gray (Lake Bell), care urmareste criptidele abuzate si ranite si le transporta la Cryptozoo — un parc de distractii din San Francisco, unde aceste fiinte sunt expuse sau angajate, in functie de apropierea lor de aptitudinile umane. In timp ce ideea fantastica a criptidelor impartasind Pamantul cu fauna existenta tenteaza imaginatia, esentialulCryptozoo aduce aceasta premisa fermecatoare in societatea noastra hiper-capitalista existenta – aratand cat de usor sistemul nostru insetat de sange va stinge ceea ce este semnificativ diferit si extraordinar. Lauren este doar una dintre numeroasele caricaturi contraculturale din Bay Area din anii ’60 ale filmului – exprimata de o litanie de comedianti alternativi si actori de film indie precum Michael Cera, Jason Schwartzman si Zoe Kazan – alaturi de un cuplu de hippie idealist care, intr-o scena brutala timpurie , invata o lectie dura despre impunerea unor atitudini umane simpliste asupra lumii naturale complexe. Critica filmului asupra capitalismului se potriveste cu viziunea sa negativa asupra miscarilor contraculturale americane, argumentand ca comercializarea acestor miscari ii descurajeaza sa faca orice fel de schimbare; paralelele din lumea reala sunt evidente.

Raya si Ultimul Dragon

De la jocul de sabie complicat si captivant pana la descrierea detaliata a stilurilor si culturilor subutilizate de Casa soarecilor, Raya si Ultimul Dragon este una dintre cele mai bune aventuri de actiune ale Disney. Prima sa incursiune intr-un mediu din Asia de Sud-Est imbina filmele traditionale cu „printese” cu o cautare de incercare precum Kubo si cele doua corzi.. Raya (Kelly Marie Tran), dupa ce o tragedie din tinerete il lasa pe tatal ei (Daniel Dae Kim) transformat in piatra si pamantul ei fracturat, trebuie sa sara din comunitate in comunitate – adunand piesele unei bijuterii magice si noi membri ciudati ai echipei – astfel incat Sisu (Awkwafina), ultimul dragon, poate depetrifica pe toata lumea si poate indrepta lumea. Exista o lectie bine intentionata, dar implementata neglijent de la scriitorii Qui Nguyen si Adele Lim despre increderea in inima filmului, explicata aproape ca un argument pentru dezarmarea nucleara – practic, animozitatea reciproca nu se va imbunatati daca nimeni nu este dispus sa faca primul pas. Dar totul este doar o scuza, pentru a ne duce prin unele dintre cele mai bune lucrari de mediu din era 3D a Disney si unele dintre cele mai bune secvente de lupta ale sale vreodata. Un final confuz, dar indraznet o pastreaza pe Rayade a fi un tur de forta, dar tot merita sa faci un tur prin Kumandra.

SpongeBob: Misiune de salvare

Exista multe motive pentru care SpongeBob SquarePants a indurat mai mult de doua decenii de dragoste neclintita si relevanta pentru cultura pop. O parte din aceasta este pozitivitatea si ridicolul de durata a lui SpongeBob (Tom Kenny), Patrick (Bill Fagerbakke) si a intregii populatii din lumea lor. Personajele sunt auto-referentiale, consecvente cu trasaturile lor definitorii, iar scriitorii au creat intotdeauna o dualitate de experienta: prostie pentru copii si o ascensiune vicleana a inteligentei care atrage direct spectatorii mai in varsta. Modul in care este servit amuzamentul trebuie sa aiba tot acest cadou pentru a functiona. Regizorul/scenariul Tim Hill (care a scris si filmul original din 2004, The SpongeBob SquarePants Movie).) intelege ca in aceasta prima prezentare 3D. Hill si echipa sa de artisti, inclusiv Mikros Image, care este responsabil pentru animatia CGI, joaca inteligent, introducand o tranzitie subtila pentru vizualizare in deschiderea Sponge on the Run.. CGI superb, fotorealist al lumii subacvatice trece la paleta de culori familiara si aspectul stilizat al coltului oceanului Hillenburg, doar cu mai multa prezenta si infloriri tactile. De la slime de melc a lui Gary, care apare ca un material tangibil, pana la zgarieturi in domul de respiratie al lui Sandy Cheeks, filmul nu isi propune sa copleseasca publicul cu clopote si fluiere tehnologice. In schimb, prezinta personajele si lumea ca o oportunitate de a experimenta familiarul intr-o lumina noua, cum ar fi aprecierea dimensiunii minuscule a unui plancton generat in 3D in comparatie cu furia lui exploziva – ceea ce il face cu atat mai hilar. Ca o alta evolutie in universul in desfasurare SpongeBob , The SpongeBob Movie: Sponge on the Runeste o scufundare gratioasa si bine executata a degetului galben in apele 3D. Exista respect general pentru personaje si ton si merit artistic pentru modul in care integreaza mediul in standardele spectacolului pentru prezentarea suprarealistului si ciudat. Impinge buretele inainte? Probabil ca nu si asta e ok. Exista ceva atemporal in Bikini Bottom care ramane asa cum este, cu spin-off-uri si seriale noi care servesc drept locuri de joaca potrivite pentru noi puncte de desfacere de povestire. Sponge on the Run imparte cu dragoste diferenta, dar nu ia nimic din ceea ce multi stiu si iubesc.

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba: Mugen Train

O noua senzatie anime trage publicul din picioare: Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba . Serialul il urmareste pe Tanjiro, un tanar aflat in cautarea razbunarii impotriva demonilor care i-au macelarit familia. In cautarea sa, el se alatura Demon Slayer Corps – forta care a jurat sa protejeze omenirea de demoni – si invata calea ucigatorilor de demoni printr-un antrenament intensiv. Cu toate acestea, serialul este mult mai mult decat razbunare: este vorba despre familia gasita, procesarea durerii, gestionarea traumei si puterea interioara. In mijlocul frumoasei coregrafii si animatii de lupta sunt momente linistite si emotionante care confera personajelor o complexitate care nu se vede adesea in manga orientata spre barbati sau shonen. Acum, la cateva luni de la sfarsitul primului sezon de succes, publicul american poate experimenta acum filmul de limitare a sezonului,Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba the Movie: Mugen Train . Trenul Mugenincepe cu Tanjiro (Natsuki Hanae) si insotitorii sai Zenitsu (Hiro Shimono) – o pisica infricosatoare perpetua – si Inosuke (Yoshitsugu Matsuoka) – care poarta o masca de mistret si are un temperament exploziv – urcandu-se in Trenul Mugen ca parte a urmatoarei lor misiuni. Odata ajuns in tren, trio-ul il gaseste pe Rengoku (Satoshi Hino), un soldat de rang inalt din Demon Slayer Corps cu tehnici experte de lupta, pentru a-si primi urmatoarea misiune. Exista ceva demonic la bord care consuma pasageri si depinde de acest grup de patru sa ii protejeze pe cei din tren. De asemenea, ei invata rapid ca aceasta amenintare este mai mult decat un demon obisnuit, ci unul mult mai puternic care poate manipula visele. Tonul acestor secvente fluctueaza atat in ​​ceea ce priveste subiectul, cat si stilul de animatie,Trenul Mugen este o sarbatoare pentru ochi cu culorile sale stralucitoare, imbinarea stilurilor de animatie si mediile proiectate meticulos care subliniaza actiunea. Este un film superb care extinde universul Demon Slayer , dar pentru ca este canonic si ofera o punte intre sezoane, nu este un film destinat noilor veniti in franciza.

Evadare

Este un imperativ, un titlu dintr-un singur cuvant care sa spuna publicului ce trebuie sa faca o persoana pentru a se salva de la preluarea culturala de catre barbari cu prea multe arme: Ia naiba din Dodge. Fugi pentru vietile tale. Fugi . Noul film al documentaristului danez Jonas Poher Rasmussen anima adevarul unui barbat, Amin, prietenul lui Rasmussen, care pentru prima data in viata sa adulta (si in relatia cu Rasmussen) a decis sa se deschida despre momentul in care el si familia sa au taiat orasul. cand talibanii au preluat Kabul. A fi o persoana de zi cu zi non-fundamentalista in Afganistan este destul de greu cu acei nebuni in control. Fiind si cotidian si nefundamentalist siun tanar gay inchis este mai rau. Iar acea sumbruare inevitabil se inmoaie si se accentueaza prin prezentarea filmului. Folosind animatia pentru a recrea calatoria periculoasa a lui Amin din Afganistan pana in Danemarca, cu opriri de-a lungul drumului in Rusia si Estonia, Rasmussen are o modalitate de a suprapune cruzimea uimitoare pe care Amin o indura si o observa pe drumul catre siguranta cu o jucausa electrica: chiar si cel mai rau real- imaginile vietii capata o anumita exuberanta atunci cand sunt recreate manual. Dar filmul cuprinde amintirile lui Amin, iar memoria umana fiind ceea ce este – in acelasi timp fidela, neclara si defectuoasa – calitatile alchimice ocazionale atat de intrinsece animatiei, deoarece un mediu trage acele amintiri in relief. Poate ca acesta este singurul mod in care Amin isi poate infrunta trecutul. Animatia are, de asemenea, un mod de a simti mai multviu decat actiunea live, sau viu intr-un mod separat, ceea ce face intunericul lui Flee cu atat mai intunecat. Cel mai mult, Rasmussen il lasa pe Amin sa-si spuna povestea in felul lui. Animatia actioneaza doar ca un furnir. Chiar si prin straturile de artificii, ceea ce ne arata acest film poate fi una dintre cele mai ingrozitoare povesti de refugiati din cinema.

Familia Mitchell impotriva robotilor

Diviziunile generationale animate nu au fost niciodata mai asemanatoare cu un carnaval SF decat in ​​The Mitchells vs. the Machines . Debutul in lungmetraj al scriitorului/regizorului Mike Rianda (el si co-scenariul/regizorul Jeff Rowe s-au facut bine in serialul excelent infricosator si prostesc Gravity Falls) este in parti egale absurd, dragut si terifiant. Este usor sa te simti la fel de pierdut sau de coplesit de luminile intermitente si de privelisti exilante precum familia centrala care se lupta intr-o parte a meciului de ranchiuna al titlului, dar este la fel de usor sa iesi cu bucuria epuizata a unei excursii indelungate si obosite in parc tematic. Familia sa incorporata in gen explodeaza prin fiecare cadru dezordonat si plin, ca si cum ar incerca sa scape (de multe ori sunt) si, in acest proces, creeaza cea mai energica si indrazneata comedie animata de pana acum in acest an. Si premisa ei incepe atat de umil. Realizatorul si animatorul Katie (Abbi Jacobson) pleaca de acasa la facultate si, pentru a ajunge acolo, trebuie sa plece intr-o excursie cu familia ei: Rick (Danny McBride), tatal ei ludit in aer liber; Linda (Maya Rudolph), mama ei de pace; si Aaron (Rianda), fratiorul ei dino-focus. S-ar putea sa ghicesti ca Katie si tatal ei nu vad intotdeauna ochi in ochi, chiar si atunci cand ochii lui Katie nu sunt lipiti de telefonul sau laptopul ei. Acea tehnocritica, in care „timpul pe ecran” este o expresie murdara, iar figura tatalui care isi schimba bastonul si care construieste cabane vrea ca familia sa sa experimenteze lumea reala, ar putea fi la fel de hacker ca cel de-al doisprezecelea sezon al unui sitcom Tim Allen.The Mitchells vs. the Machines scapa de acest pericol nu numai printr-o nuanta intentionata a scrisului, ci si printr-o mare anti-nuanta: la jumatatea calatoriei, companiile tehnologice diabolice incurca si robotii cultivati cu telefoane decid sa impuste toate oameni in spatiu. Acest film avea nevoie de ceva atat de mare narativ pentru a-si sustine imaginile glorioase ale chiuvetei de bucatarie. Filmul Sony foloseste o parte din aceeasi tehnologie care a facut ca Spider-Man: Into the Spiderverse sa arate atat de clar si unic, adaugand umbriri comice CG-ului sau expresiv. De fapt, odata ce unele dintre cele mai ciudate setpieces decoleaza, nu ai fi surprins sa-l vezi pe Miles Morales intervenind pentru a salva ziua. Mitchells vs. MasinileIntoarcerea esteticii lui Spidey vine de la Katie, obsedata de meme si filme, a carei imaginatie patrunde adesea in lumea reala si ale carei doodle-uri bizare, neon si pline de filtre, impodobesc paleta deja incitanta a filmului cu o ciudatenie exploziva. Acest stil unic si inteligent se potriveste bine cu slapstick-ul lui The Mitchells vs. the Machines , care se prabuseste si se zdrobeste cu o violenta neasteptata, echilibrat cu un mos cu adevarat prost si o multime de elemente vizuale care iau joc de orice se intampla.

On-Gaku: Our Sound

A fi adolescent intr-un oras suburban poate fi ingrozitor de plictisitor. Fara o varietate de rutina, totul se simte inutil. Dar apoi, uneori, apare ceva care alunga acea monotonie si insufla entuziasm intr-o existenta altfel plictisitoare. Acea descoperire poate fi revelatoare; viata poate avea dintr-o data un scop. In cazul trio-ului de delincventi din incredibilul lungmetraj de debut al lui Kenji Iwaisawa, animatia On-Gaku: Our Sound , acestia descopera catharsisul si puterea muzicii. On-Gaku: Sunetul nostrueste scrisoarea de dragoste a scriitorului/regizorului Iwaisawa atat pentru puterea muzicii, cat si pentru manga cu acelasi nume de Hiroyuki Ohashi. Pe masura ce filmul progreseaza prin numerele sale muzicale, Iwaisawa experimenteaza cu forma (cum ar fi rotoscopingul expresiv), deoarece anumite cantece evoca emotii diferite de la personajele sale, fie ca este un cantec popular amabil sau un rocker cu sentimente primitive care reverbereaza in pieptul ascultatorului. Spre deosebire de stilul vizual, livrarea fenomenala de comedie fara probleme aminteste de comediile animate americane din anii ’90 precum Beavis and Butthead sau King of the Hill.. Kenji, in special, intruchipeaza acel ton, atat prin livrarea de versuri de legenda rock japonez Shintaro Sakamoto, cat si prin designul care include o privire neincetata, mustata subtire care iese in zig-zag pe buza superioara si capul stralucitor si chel. In ciuda faptului ca este elev de liceu, vocea caruntoasa a lui Sakamoto ii da lui Kenji atmosfera unui batran obosit care a vazut totul, cand intr-adevar este doar un adolescent plictisit care fumeaza prea multe tigari si se uita prea mult la televizor. Propria pasiune a lui Iwaisawa umple comedia relaxata si lenesa cu multa inima si o varietate superba de stiluri de animatie.

Evangelion: 3.0+1.01 Thrice Upon a Time

Din 1995, Neon Genesis Evangelion a patruns in constiinta culturala cu roboti giganti, adolescenti infuriati si referinte biblice ezoterice. Este povestea lui Shinji Ikari, un baiat destinat sa piloteze un robot urias numit Unit-01 intr-un viitor in care creaturi numite Ingeri sunt destinate sa distruga umanitatea. Dar Shinji rezista destinului sau, plangandu-se la fiecare pas si inghetand de nehotarare in timp ce supravietuirea umanitatii sta pe umarul lui. Este cu adevarat o franciza unica, creata de geniul si Hideaki Anno profund deprimat. Este o franciza care l-a chinuit de peste 25 de ani, de la un serial la o gramada de filme care au lucrat pentru a rescrie un final nemultumitor. Acum, Anno s-a terminat in sfarsit. Odata cu lansarea ultimei si ultimei sale piese din media Evangelion ,Evangelion 3.0+1.0: De trei ori o data , vremea Ingerilor a ajuns la sfarsit. Thrice Upon a Time este al patrulea film Rebuild of Evangelion , care este o repovestire completa a evenimentelor din seria originala. Filmul final din universul lui Shinji, Asuka, Rei si EVA poate sa nu fie cel mai bun loc pentru debutantii in franciza, dar ar trebui sa fie un mare motivator. Rareori francizele anime se termina cu o nota atat de perfecta, dar Anno arata ca este posibil cu Evangelion 3.0+1.0: Thrice Upon a Time. Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit gratuit.

Summit-ul Zeilor

Bazat pe manga de la inceputul anilor 2000 a lui Jiro Taniguchi, care a adaugat ilustratii de mediu uluitoare si desene de personaje clare si intense in umbre romanului din 1998 al lui Baku Yumemakura, Summit of the Gods.este o dovada a automotivarii prin povestile impletite a doi barbati: alpinistul Joji Habu (Eric Herson-Macarel) si jurnalistul Makoto Fukamachi (Damien Boisseau). Animeul francez al regizorului Patrick Imbert vede cele doua cai incrucisate gratie unui legendar aparat foto Vestpocket Kodak apartinand lui George Mallory, alpinismul englez care ar fi ajuns sau nu pe varful Everestului in anii ’20. Fukamachi il vede pe Habu cu camera, apoi il pierde. Fukamachi vrea o prima; Habu vrea sa fie lasat singur in timp ce se pregateste pentru propria urcare. In cautarea reclusului, Fukamachi compileaza viata lui Habu, construindu-si arcul obsesiv eveniment cu eveniment prin taieturi de stiri descoperite. Cu aceasta structura intretaiata, Summit of the Godseste atat un film grozav de jurnalism, cat si un film grozav de alpinism – fiecare cu o serie de pasi tehnici care contin o greutate emotionala imposibil de explicat pe deplin unui strain. De ce cauta cineva varful? De ce se dedica cineva sa gaseasca toate detaliile unei povesti? Aceste obiective singuratice sunt atat personale cat si profesionale. Rezultatul final este clar, dar rationamentul din spatele tuturor devine rapid tulbure si existential sub control. Claritatea animatiei sustine aceste intrebari mari cu raspunsuri simple. Culorile maiestuoase si neclare ale naturii – albastru si violet stralucitor – contrasteaza cu viata de zi cu zi in apartamente, baruri si strazile orasului care si-au pierdut orice romantism. Acestea din urma sunt utilitariste in detalii, atat de bogate cu lucruri realisteca sa te plictisesc cu familiaritatea. Apoi filmul te scoate in expeditii, prin ochii oamenilor care traiesc pentru el. Secventele de catarare prezinta cadre atat de dure si stratificate cu namoluri si razele de soare, incat abstractia lor picturala iti va lasa maxilarul atarnat in zapada. Si totusi, de la un moment la altul, este o zbarcire detaliata a pitonului in piatra – de noduri inteligente de franghie si frecare musculara a mainilor si picioarelor – intreprinsa de personaje care se misca cu o intentie deliberata, animatiile lor suficient de grele pentru a pleca. urme de pasi si mini avalanse de pietricele. Summit-ul Zeiloreste un film subtil, povestit in nuante de alb si grade de tacere, dar pasiunea lui arde fierbinte sub rimul inghetat. Povestirea sa complexa si privelistile convingator de incantatoare fac bine cazul sau filozofic: fie ca risti totul pentru a ajunge la un varf, pentru a ajunge la fundul unui mister sau pentru a crea o animatie minutioasa, esti suficient de norocos sa ai ceva ce iubesti.

Stilurile extrem de diferite de animatie, o mare varietate de povesti spuse si o gama la fel de larga de publicuri vizate (si nu doar copii!), 2022 s-a simtit ca un moment aventuros, experimental pentru mediu, in care chiar si studiouri importante precum Pixar si DreamWorks a imbratisat noi tehnici si estetica. (Iar 2023 pare si mai aventuros!

O lume ciudata

Este rar ca un film care a fost lansat cu doar cateva saptamani in urma sa se simta neglijent trecut cu vederea, dar in cazul „Strange World”, acesta este adevarul. Desigur, filmul nu a fost cel mai usor de vandut – este plasat intr-o lume preindustriala care devine complexa din punct de vedere tehnologic datorita unei vite magice, doar cand acea vita incepe sa moara, duce la o misiune disperata in subteran. Si de fiecare data cand Disney Animation a incercat un film de aventura Jules Verne, acesta se clateste la box office (vezi si: „Atlantis: The Lost Empire” si „Treasure Planet”). De asemenea, a fost lansat alaturi de una dintre campaniile de marketing cele mai ingrozitor gresite din istoria studioului. Si este pacat, de asemenea, pentru ca filmul lui Don Hall este inteligent si cald si plin de modele grozave si idei mari – toata chestia cu planta muribunda este o metafora, vezi, pentru relatia noastra cuplaneta noastra – si el introduce un personaj deschis ciudat intr-un film de animatie Disney si apoi nu face mare lucru in privinta asta. Acum ca „Strange World” este difuzat in flux, publicul ar trebui sa creasca. Peste zece ani, tinerii adulti vor vorbi cu entuziasm despre cat de mult a insemnat „Lumea ciudata” pentru ei. Este o reactie intarziata, dar va veni.

Baietii rai

2022 a fost un an banner pentru DreamWorks Animation, studioul si-a revenit intr-un mod major. (Si lista pentru urmatorii cativa ani sugereaza ca tot ce este mai bun urmeaza sa vina.) „The Bad Guys” a fost o incantare neasteptata, un film criminal din punct de vedere vizual indraznet despre o gramada de hoti de animale (condusi de marele rau, Mr. Wolf al lui Sam Rockwell). ) care incearca sa-si schimbe caile rele. Bazat pe seria de carti a lui Aaron Blabey, „The Bad Guys” este fermecator si insolit, inspirat de filmele lui Quentin Tarantino si anime japonez (in special seria Hayao Miyazaki timpurie „Sherlock Hound”) si cartile de benzi desenate franceze. Daca „The Bad Guys” se poticneste, este in lipsa unui adevarat centru emotional. Este foarte distractiv si arata foarte tare, dar avea nevoie de putin mai mult sentiment. Dar avand in vedere ca DreamWorks a considerat deja „The Bad Guys” urmatoarea sa franciza (exista o speciala de sarbatori si un serial TV pe drum si, ne-am imagina, in cele din urma o continuare), exista timp suficient pentru a rezolva aceasta parte.

Beavis si Butt-Head Do The Universe

Mult mai bine decat avea dreptul sa fie, „Beavis and Butt-Head Do the Universe” este, de asemenea, mai complicat decat la prima vedere. Este o continuare a filmului singuratic al celebrului duo MTV, „Beavis and Butt-Head Do America” (lansat in 1996, cand Bruce Willis si Demi Moore erau inca un cuplu – ambii apar in film) si, de asemenea, o continuare. la seria originala (care s-a incheiat in 1997; putin se vorbeste vreodata despre repornirea esuata din 2011). De asemenea, a trebuit sa introduca o serie de idei noi care au fost apoi extinse in timpul seriei 2022 (care a fost difuzata dupa filmul de la Paramount + si este, de asemenea, excelenta). E mult teren de acoperit. Si totusi regizorii John Rice si Albert Calleros si creatorul original Mike Judge (care a co-scris si joaca rolul ambilor prosti) au facut-o gratios si hilar, au actualizat seria originala, introducandu-i pe baieti in viata moderna si prezentand o comedie SF destul de convingatoare in acest proces. Si, da, probabil vei chicoti necontrolat pentru o mare parte din timpul de rulare. Cum ar trebui.

Wendell & Wild

Henry Selick s-a intors. Regizorul unor astfel de clasice stop-motion precum „The Nightmare Before Christmas” si „James and the Giant Peach” nu a mai avut un nou film de la „Coraline”, nominalizat la Oscar in 2009. Dar datorita unei echipe putin probabile cu Jordan Peele, care a co-scris, produs si jucat in „Wendell & Wild”, avem un nou film Selick. Si pentru asta ar trebui sa fim recunoscatori. Intriga din „Wendell & Wild” este practic o noua versiune a „Beetlejuice”, cu o tanara gotica orfana care comunica cu niste demoni (jucat de Peele si colaboratorul frecvent Keegan Michael-Key) si sfarseste prin a avea mult mai multe probleme decat ea s-a targuit. Desi intriga nu functioneaza intotdeauna, filmul are un nucleu puternic, fata avand o alta sansa sa-si vada parintii, dar pune intrebari mai dificile, deoarece trebuie sa decida daca sa petreaca mai mult timp cu ei merita sau nu complicatii suplimentare. Intunecat si ciudat in toate felurile la care te-ai astepta (si in unele moduri cand probabil nu te astepti), faptul ca „Wendell & Wild” exista deloc ar trebui sa fie un motiv de sarbatoare – faptul ca este la fel de bun ca este, ei bine, asta e doar cireasa de deasupra.

Motanul incaltat: Ultima dorinta

Poate cea mai mare (si cea mai buna) surpriza a anului a fost cat de sublima a fost cu adevarat aceasta continuare a filmului „Puss in Boots” din 2011. Regizat de Joel Crawford, care a condus filmul la fel de surprinzator „The Croods: A New Age”, „Puss in Boots: The Last Wish” il vede pe autodescrisul „erou felin neinfricat” (din nou exprimat impecabil de Antonio Banderas) fiind doborat. la viata lui finala, care il trimite intr-o cautare frenetica pentru a gasi steaua care isi doreste si a-si extinde existenta. Mai atent si mai intunecat decat primul film (sunt o multime de morti!), cu o noua estetica vizuala captivanta, o distributie de sustinere de stele (inclusiv Florence Pugh, Ray Winston, Olivia Colman si o performanta de furt de scena a lui Harvey Guillen ) si secventele de actiune inventive deosebesc „Puss in Boots: The Last Wish”. Iar curentul subteran al melancoliei face ca totul sa para mult mai important.

Bestia Marii

Regizorul Chris Williams a petrecut 25 de ani la Disney, lucrand la clasice precum „Big Hero 6” si „Moana”. A fost vreo surpriza ca, atunci cand a parasit compania, va face acelasi lucru la Netflix? „The Sea Beast”, cel mai popular film de animatie Netflix de pana acum, a fost co-scris si regizat de Williams, care s-a bazat pe dragostea sa pentru filme de aventura precum „Raiders of the Lost Ark” si „King Kong” din 1976, pentru a crea o poveste. cu monstri mari si inima mare. Amplasat intr-un regat oceanic mitic construit in jurul vanatorii de monstri marini, Karl Urban joaca rolul unui vanator care se intalneste cu un tanar orfan precoce (Zaris-Angel Hator) si incepe sa realizeze ca ar putea fi mai mult in profesia lui decat si-a imaginat initial. Proiectat si animat inteligent (animatia a fost gestionata de Sony Pictures Imageworks), cu scene de actiune uluitoare si personaje bogat nuantate, „The Sea Beast” este tipul de film care te face sa vrei sa te ridici in picioare si sa inveselesti. Si poti daca vrei. Este camera ta de zi.

Apollo 10 ½: Copilarie in era spatiala

Unul dintre cele mai necantate triumfuri ale anului 2022, „Apollo 10 1/2: A Space Age Childhood” este amintirea placuta a lui Richard Linklater de cand a crescut in Texas, era Houston, in timpul misiunii spatiale Apollo. (Tatal lui a avut o mica slujba in program.) Filmul este construit in jurul unui anacronism adorabil: cand isi da seama ca au construit aterizatorul putin prea mic, NASA angajeaza un copil (Milo Coy) pentru a merge intr-o misiune secreta pe Luna. primul. Si, desi se face aluzie la acest lucru, cea mai mare parte a filmului este doar o cronica a vietii copilului si a familiei sale din Texas, cu o naratiune vie, prin amabilitatea lui Jack Black (trebuie sa fie mai multa naratiune in asta decat in ​​„Casino”) – ceea ce a facut el. , ce programe de televiziune a urmarit dupa scoala, lucrurile ciudate din Texas, pe care le-a facut tatal sau (Bill Wise) cu varful cutiilor de bere. In pregatirea filmului, Linklater a incurajat familiile care au locuit in zona in aceeasi perioada de timp sa-i trimita totul – fotografii, cu siguranta, dar si numere din TV Guide si orice efemer din epoca care ar putea cu adevarat sa-i dea viata. Acest tip de cercetare minutioasa chiar da roade; filmul are o energie atat de calda si neclara, incat aproape ca vrei sa-l imbratisezi. Iar stilul preferat de animatie al lui Linklater, o versiune imbunatatita a rotoscopiei, nu a aratat niciodata mai bine si nu a fost niciodata folosit atat de eficient, animatorii evocand detalii fine din „seturi” rare. Pentru Linklater, un regizor la fel de obsedat de timp (si de trecerea timpului) precum Christopher Nolan, animatia a devenit instrumentul suprem pentru el pentru a vizita trecutul. dar si numere de TV Guide si orice efemera din epoca care l-ar putea aduce cu adevarat la viata. Acest tip de cercetare minutioasa chiar da roade; filmul are o energie atat de calda si neclara, incat aproape ca vrei sa-l imbratisezi. Iar stilul preferat de animatie al lui Linklater, o versiune imbunatatita a rotoscopiei, nu a aratat niciodata mai bine si nu a fost niciodata folosit atat de eficient, animatorii evocand detalii fine din „seturi” rare. Pentru Linklater, un regizor la fel de obsedat de timp (si de trecerea timpului) precum Christopher Nolan, animatia a devenit instrumentul suprem pentru el pentru a vizita trecutul. dar si numere de TV Guide si orice efemera din epoca care l-ar putea aduce cu adevarat la viata. Acest tip de cercetare minutioasa chiar da roade; filmul are o energie atat de calda si neclara, incat aproape ca vrei sa-l imbratisezi. Iar stilul preferat de animatie al lui Linklater, o versiune imbunatatita a rotoscopiei, nu a aratat niciodata mai bine si nu a fost niciodata folosit atat de eficient, animatorii evocand detalii fine din „seturi” rare. Pentru Linklater, un regizor la fel de obsedat de timp (si de trecerea timpului) precum Christopher Nolan, animatia a devenit instrumentul suprem pentru el pentru a vizita trecutul. nu a aratat niciodata mai bine si nu a fost niciodata angajat atat de eficient, animatorii evocand detalii fine din perioada din „seturi” rare. Pentru Linklater, un regizor la fel de obsedat de timp (si de trecerea timpului) precum Christopher Nolan, animatia a devenit instrumentul suprem pentru el pentru a vizita trecutul. nu a aratat niciodata mai bine si nu a fost niciodata angajat atat de eficient, animatorii evocand detalii fine din perioada din „seturi” rare. Pentru Linklater, un regizor la fel de obsedat de timp (si de trecerea timpului) precum Christopher Nolan, animatia a devenit instrumentul suprem pentru el pentru a vizita trecutul.

Lightyear

Dintr-un anume motiv, oamenii au continuat sa se incurce in legatura cu ideea centrala a „Lightyear”. A fost menit sa fie marele film SF pe care Andy l-a vazut cand era copil in „Toy Story”. Filmul care l-a facut pentru prima data interesat de Buzz Lightyear. (Co-scenariul/regizorul Angus MacLane teoretizeaza ca probabil a existat un desen animat de sambata dimineata dupa film; cel mai probabil, jucaria Buzz s-a bazat pe asta.) Nu este chiar un puzzle. Si „Lightyear” a reusit sa aduca personajul la viata intr-un mod nou; nu numai ca a dramatizat evenimentele din versiunea cinematografica din univers a lui Buzz, dar a interogat in mod jucaus filmele originale „Povestea jucariei” si ce inseamna o continuare (sau un spin-off) in 2022. Cand Buzz (Chris Evans) gaseste o evadare. dintr-o lume extraterestra ostila, ii lasa blocati pe membrii echipajului si pe pasagerii sai. Buzz, mereu perfectionistul, incearca (in mod repetat) sa coboare de pe planeta, dar datorita continuum-ului spatiu-timp, se intoarce intr-o lume care a trecut mai departe de aventurile sale. In cele din urma, el intalneste un raufacator – o versiune a lui si mai obsedata de intoarcerea in trecut si de „cum erau lucrurile”. In acest fel, MacLane pune la indoiala caracterul solid al revenirii la universul „Toy Story”, natura potential otravitoare a nostalgiei si modul in care publicul isi doreste acelasi lucru, doar intr-un pachet usor diferit. „Lightyear” este mai mult decat acelasi lucru intr-un pachet usor diferit; este o aventura SF plina de masini voluminoase, calatorii palpitante si cel mai dragut partener din filme din acest an – Sox (cu vocea lui Pete Sohn), pisica robotica insotitoare a lui Buzz. La infinit si dincolo de. se intoarce intr-o lume care a trecut mai departe de aventurile lui. In cele din urma, el intalneste un raufacator – o versiune a lui si mai obsedata de intoarcerea in trecut si de „cum erau lucrurile”. In acest fel, MacLane pune la indoiala caracterul solid al revenirii la universul „Toy Story”, natura potential otravitoare a nostalgiei si modul in care publicul isi doreste acelasi lucru, doar intr-un pachet usor diferit. „Lightyear” este mai mult decat acelasi lucru intr-un pachet usor diferit; este o aventura SF plina de masini voluminoase, calatorii palpitante si cel mai dragut partener din filme din acest an – Sox (cu vocea lui Pete Sohn), pisica robotica insotitoare a lui Buzz. La infinit si dincolo de. se intoarce intr-o lume care a trecut mai departe de aventurile lui. In cele din urma, el intalneste un raufacator – o versiune a lui si mai obsedata de intoarcerea in trecut si de „cum erau lucrurile”. In acest fel, MacLane pune la indoiala caracterul solid al revenirii la universul „Toy Story”, natura potential otravitoare a nostalgiei si modul in care publicul isi doreste acelasi lucru, doar intr-un pachet usor diferit. „Lightyear” este mai mult decat acelasi lucru intr-un pachet usor diferit; este o aventura SF plina de masini voluminoase, calatorii palpitante si cel mai dragut partener din filme din acest an – Sox (cu vocea lui Pete Sohn), pisica robotica insotitoare a lui Buzz. La infinit si dincolo de. ” In acest fel, MacLane pune la indoiala caracterul solid al revenirii la universul „Toy Story”, natura potential otravitoare a nostalgiei si modul in care publicul isi doreste acelasi lucru, doar intr-un pachet usor diferit. „Lightyear” este mai mult decat acelasi lucru intr-un pachet usor diferit; este o aventura SF plina de masini voluminoase, calatorii palpitante si cel mai dragut partener din filme din acest an – Sox (cu vocea lui Pete Sohn), pisica robotica insotitoare a lui Buzz. La infinit si dincolo de. ” In acest fel, MacLane pune la indoiala caracterul solid al revenirii la universul „Toy Story”, natura potential otravitoare a nostalgiei si modul in care publicul isi doreste acelasi lucru, doar intr-un pachet usor diferit. „Lightyear” este mai mult decat acelasi lucru intr-un pachet usor diferit; este o aventura SF plina de masini voluminoase, calatorii palpitante si cel mai dragut partener din filme din acest an – Sox (cu vocea lui Pete Sohn), pisica robotica insotitoare a lui Buzz. La infinit si dincolo de. calatorii palpitante si cel mai dragut partener din filme din acest an – Sox (voceul lui Pete Sohn), insotitorul pisicii robotizate a lui Buzz. La infinit si dincolo de. calatorii palpitante si cel mai dragut partener din filme din acest an – Sox (voceul lui Pete Sohn), insotitorul pisicii robotizate a lui Buzz. La infinit si dincolo de.

Pinocchio, de Guillermo del Toro

Guillermo del Toro isi doreste de mult sa adapteze povestea nemuritoare a lui Carlo Collodi si acum, datorita Netflix, a reusit sa-si atinga acest obiectiv. „Pinocchio al lui Guillermo del Toro”, care este intr-adevar la inaltimea numelui, are loc in perioada premergatoare celui de-al Doilea Razboi Mondial, cu Pinocchio (un baiat de lemn care nu poate muri niciodata) devenind de interes pentru un circ ambulant (condus de Christoph Waltz). ) precum si miscarea fascista (intruchipata de Ron Perlman). In loc sa sublinieze importanta de a-ti asculta parintii si de a respecta regulile, del Toro si regizorul Mark Gustafson (un maestru modern stop-motion) fac o oda iubitoare neascultarii si libertatii de gandire, precum si un omagiu emotionant adus fragilitatii vietii. si pretiozitatea relatiilor. Desigur, „Pinocchio” nu se lasa niciodata din cauza preocuparilor sale tematice grele; este treptat si amuzant (greierul lui Ewan McGregor continua sa se raneasca) si prezinta niste lucrari de design cu adevarat superbe, informate partial de ilustratiile artistului american Gris Grimly. Cand Pinocchio este „ucis” si trimis intr-o lume interlopa condusa de un monstru himeric, mascat (cu vocea lui Tilda Swinton) si insotit de un grup de iepuri scheletici, ai intrat pe deplin intr-o lume diferita de cea pe care ai experimentat-o ​​inainte. Si totusi, in esenta, este o poveste clasica „Pinocchio”, imbunatatita cu atat mai mult prin reinventarea sa indrazneata. ai intrat pe deplin intr-o lume diferita de cea pe care ai experimentat-o ​​inainte. Si totusi, in esenta, este o poveste clasica „Pinocchio”, imbunatatita cu atat mai mult prin reinventarea sa indrazneata. ai intrat pe deplin intr-o lume diferita de cea pe care ai experimentat-o ​​inainte. Si totusi, in esenta, este o poveste clasica „Pinocchio”, imbunatatita cu atat mai mult prin reinventarea sa indrazneata.

Rosu aprins

Ce triumf. Pixar pare sa fie intr-o mini renastere (vezi „Anul Lumina” de mai sus), multumita in mare masura conducerii si indrumarii creative a noului director de creatie Pete Docter. Iar „Turning Red” este unul dintre cele mai bune filme Pixar – nu doar din aceasta recolta recenta, ci si vreodata. Co-scris si regizat de Domee Shi, care a fost promovat pe buna dreptate vicepresedinte de creatie dupa lansarea filmului, „Turning Red” spune povestea lui Mei (Rosalie Chiang), o adolescenta chinezo-canadiana care traieste la inceputul anilor 2000 in Toronto. Este obsedata de o trupa de baieti (4*Town) si ii place sa iasa cu prietenii ei la fel de mult pe cat ii place sa-si faca mandri parintilor ei indragostiti (Sandra Oh este mama ei si este uimitoare). A, si cand devine stresata, se transforma intr-un panda rosu urias. „Turning Red” se simte linistit revolutionar (mai ales pentru un film Pixar) – de la discutiile sale sincere despre menstruatie pana la stilul sau unic de animatie, care este influentat de animatia japoneza, filmele vechi cu monstri (filmul atinge punctul culminant cu o confruntare cu Kaiju demna de „Godzilla” ) si alte animatii favorite 2D desenate manual. Exista un sentiment de noutate care patrunde in „Turning Red”. Dar nu totul este naucitor, deoarece povestea din centrul „Turning Red” este despre reconciliere, trauma generationala si puterea de acceptare de sine. (Exista o secventa spre sfarsitul filmului, plasata intr-un fel de lume spirituala de jos, care te va face sa plangi.) De asemenea, melodiile trupei de baieti (co-scrise de Finneas si Billie Eilish) sunt niste batai absolute (luate in mod misterios de la Oscar. 

Un gen care pur si simplu l-a scos din parc au fost filmele de animatie. Filmele de animatie au revenit in mare masura cu niste filme cu totul uluitoare pe tot parcursul anului, de la Lightyear la Pinocchio de Guillermo Del Toro si chiar Bob’s Burgers . 2023 pare sa mentina aceasta tendinta cu cateva lansari interesante de la Disney, DreamWorks, Pixar, Illumination, Aardman, Netflix si multe altele. Mai jos sunt cele mai asteptate filme animate din 2023.

Expresia „cel mai bun film animat” inseamna lucruri diferite pentru diferiti oameni. Unii se vor gandi automat la filme clasice Disney sau la desene animate similare pentru familii din copilarie, in timp ce altii vor gravita automat catre adaptari ale povestilor lor preferate de benzi desenate. Altii inca pot considera atractia exotica a anime-ului sau stilul avant al artistilor din afara mainstream-ului drept „cea mai buna” animatie pe care o are de oferit. Singurul lucru pe care aceste caracteristici disparate il au in comun este ca sunt lipsite de componente live-action; orice altceva merge.